miércoles, 23 de septiembre de 2009

UNIDAD III (Conceptos básicos de Morfología) - Segunda parte

Hasta el momento hemos hecho un breve recorrido por los elementos básicos de la música hasta llegar a los instrumentos musicales y su organización en la orquesta. Ahora vamos a pasar al tema de los elementos formales y las formas musicales.

Como ya se ha dicho, el ritmo, la melodía y la armonía son los elementos fundamentales de la composición, a los cuales está ligado el timbre de los instrumentos musicales para crear variedad de sonidos.

Una melodía sencilla puede estar compuesta por pequeños grupos de notas que forman un tema, un motivo y un diseño. Estos tres elementos los podemos definir de la siguiente manera.

Tema: es un breve fragmento musical con "sentido completo y personalidad relevante, sin cadencias que lo seccionen"[1].

Motivo: es la cabeza del tema.

Ejemplo de tema y motivo:



[1] ZAMACOIS, JOAQUÍN. Curso de Formas Musicales. 6 ed. Barcelona : Labor, 1985. p. 7.



Repetición y transformación del tema: el tema se puede repetir en el mismo tono o transportarlo, conservando o no su modalidad, y también se puede transformar mediante modificaciones que le den una expresión diferente. Es importante resaltar que cuando hay modificaciones, la armonía desempeña un papel principal.


Frase musical: es "el ciclo completo de una idea melódica, integrado por ideas parciales que dan origen a la formación de secciones y subsecciones, cada vez de menor categoría"[2]. Existen diversas maneras de denominar las partes de una frase, pero en general, se pueden utilizar los siguientes términos:

Períodos: son las principales divisiones de la frase.

Subperíodos: son las principales divisiones del período.

Ejemplo de una frase con sus respectivas divisiones[3]:

[2] Ibid., p. 9.

[3] Ibid., p. 10.



Frase de dos períodos: es el ejemplo más sencillo de la forma binaria.

Ejemplos[4]:


[4] Ibid., p. 27 y 28.




Ejemplo 2 de Frase binaria

Ejemplo 3 de Frase binaria





Frase de tres períodos: es el ejemplo más sencillo de la forma ternaria.

Ejemplos[5]:


[5] Ibid., p. 29.





Ejemplo 4 de Frase ternaria



Principios estructurales de la música[6]

Existen dos principios básicos de la composición: la repetición de un tema y la no repetición. La música que se basa en la repetición, se puede clasificar en cuatro grandes grupos:

1. Repetición por secciones o simétrica (exacta), a la cual pertenecen las siguientes formas:

¨ Binaria.

¨ Ternaria.

¨ Rondó.

¨ Disposición libre de las partes.

2. Repetición por variación, a la que pertenecen las siguientes formas:

¨ Basso ostinato (Bajo ostinato).

¨ Passacaglia.

¨ Chacona.

¨ Tema con variaciones.

3. Repetición por tratamiento fugado, a la cual pertenecen las siguientes formas:

¨ Fuga.

¨ Concerto grosso.

¨ Preludio de coral.

¨ Motetes y madrigales.

4. Repetición por desarrollo, a la cual pertenece el primer movimiento de la forma sonata.

Las demás categorías formales se basan en la no repetición y en la denominada forma libre.

A continuación, se explican las formas pertenecientes al primer grupo.


Pequeños tipos formales[7]


¨ El pequeño tipo primario: son las canciones compuestas por una sola frase. El ejemplo más representativo de esta forma es la canción compuesta por una frase musical que se repite invariablemente mientras se va narrando una historia en su texto. Ejemplo: Córtame un ramito verde (popular asturiana)


[6] COPLAND, AARON. Cómo escuchar la música. 7 reimpresión. México : Fondo de cultura económica, 1982. p. 94-95.

[7] ZAMACOIS, JOAQUÍN. Curso de Formas Musicales. 6 ed. Barcelona : Labor, 1985. p. 48-50.


¨ El pequeño tipo binario: a este tipo corresponden todas las estructuras de frases de dos y tres períodos explicadas anteriormente. Se debe tener en cuenta que cuando la estructura es A-A, la segunda A no puede ser igual a la primera. Como ejemplo de este tipo son las canciones compuestas por una Copla (frase secundaria) y un Estribillo (frase principal). Ejemplo: En el portal de Belén (popular andaluza).




¨ El pequeño tipo ternario: la estructura general es A-B-A en donde la primera parte (A) es la expsición del tema o idea principal, la segunda parte (B) es el episodio compuesto por elementos totalmente nuevos o derivados del A, y la tercera parte (A) es la reexposición del tema A con final conclusivo. Esta forma ternaria reexpositiva también es conocida como Lied ternario. Ejemplo (Album para la juventud de Schumann, número 9 Cancioncilla Popular).


El tema A comprende los 8 primeros compases, el tema B va desde el compás 9 hasta el 16, y la reexposición del A, cuya melodía es tocada por la mano izquierda,
comprende los compases 17 a 24.


Formas por secciones

En las formas por secciones, cuyas composiciones son más extensas, también se utilizan las estructuras binaria y ternaria ya descritas.


¨ Forma binaria. Ejemplo de forma binaria A - B. (Francois Couperin: Le Moucheron). Audición: Piezas para clavicémbalo, libro 2. Intérprete: André Laberge.

La parte A está compuesta desde el antecompás hasta la primera mitad del compás 10; esta parte se repite completamente. La parte B inicia en la segunda mitad del compás 10 hasta el final de la obra; esta parte también se repite completamente.





¨ Forma ternaria. El minueto es una forma musical compuesta por las secciones A - B - A. En el ejemplo musical, la parte A es una Menuetto y la parte B se denomina Trio; la obra concluye con la repetición del tema A. Audición: (F. J. Haydn. Cuarteto de cuerdas, Op. 17, número 5. Segundo movimiento: Menuetto). Intérprete: Cuarteto Kodaly.





¨ El rondó. Está compuesto por las partes A - B - A - C - A - D - A. Lo típico en esta forma es que siempre se vuelve al tema A después de cada digresión. Lo más importante del rondó es el tema A o tema principal; se debe tener en cuenta que la función de las digresiones es dar contraste y equilibrio a la obra. El número de digresiones y su longitud es indiferente.

Ejemplo del rondó. Audición: (F. J. Haydn. Sonata para piano en Re mayor, Hob. XVI:37). Intérprete: Maria Begmann.






¨ Forma libre por secciones. Esta forma "permite cualquier disposición libre de las partes, con tal de que éstas formen un todo coherente"[15]. Algunas combinaciones posibles de esta forma son: A-B-B (como por ejemplo el preludio N° 20 en do menor de Chopin), o A-B-C-A, o A-B-A-C-A-B-A (como por ejemplo la pieza musical Fürchtenmachen - Asustar de las Escenas de niños de Schumann).


[15] COPLAND, AARON. Cómo escuchar la música. 7 reimpresión. México : Fondo de cultura económica, 1982. p. 111.


Formas de variaciones

¨ El Basso Ostinato. Está compuesto por una frase breve "ya sea una figura de acompañamiento, ya una verdadera melodía"[16], que se repite constantemente en el bajo de la obra mientras las voces superiores siguen su recorrido normal. Algunos ejemplos musicales que utilizan esta forma son: Andantino pastorale de la obra Peleas y Melisande de J. Sibelius; y el Lamento de Dido, de la obra Dido y Eneas.


¨ El Passacaglia. Al igual que el basso ostinato, la passacaglia está compuesta por un bajo que se repite constantemente, pero con la diferencia de que este bajo no es una simple figura sino una frase melódica. Además, el ostinato de la passacaglia admite variaciones. Se caracteriza porque la obra inicia con la exposición del tema por el bajo sin acompañamiento, puesto que este tema es la base para las variaciones siguientes. Uno de los ejemplos más representativos de esta forma es la gran Passacaglia y Fuga en do menor, BWV 582 de J. S. Bach. Es frecuente que después de una passacaglia se escriba una fuga, pero ésta no afecta en nada a la forma en sí.


¨ La Chacona. Forma musical estrechamente ligada al passacaglia, cuyas diferencias son tan leves que en ocasiones se confunden. Una de las características de la chacona es que el tema no se expone solo, sino por el contrario, inicia con la armonía acompañante. Sin embargo, pese a las características ya mencionadas para ambas formas, los tratadistas no se han puesto de acuerdo, es por esto que a veces la passacaglia y la chacona se pueden confundir. (Ejemplo para la audición: Heinrich Ignaz Franz Biber, nacido en Austria en 1644 y muerto en 1704. Obra: Balletti a 6 para trompetas y cuerdas número XII. Ciacona)

Como característica general, tanto la passacaglia como la chacona están escritas en un compás de tres tiempos.

¨ El tema con variaciones. Es la forma más importante del grupo de las variaciones. Su composición consta de un tema sencillo el cual es sometido a una serie de modificaciones denominadas variaciones. Existen cinco clases generales de variación, a saber: armónico, melódico, rítmico, contrapuntístico y combinación de los cuatro anteriores. Uno de los ejemplos más representativos de esta forma es el primer movimiento de la Sonata para piano número 11 en La mayor, K. 331, de W. A. Mozart.


[16] Ibid., p. 114.


Formas fugadas


¨ El canon. Forma de imitación exacta de una misma melodía pero cuyas entradas se hacen en compases diferentes. Ejemplo escrito: El gallo Pinto.












Audición: Primer movimiento del Canon - Sonata N° 1 en Si bemol mayor para dueto de flautas de Teleman.

¨ La fuga. Forma contrapuntística escrita a tres, cuatro o más voces. Dicha forma se compone de: exposición, en la que cada voz expone el sujeto y el contrasujeto de la fuga; episodio 1 - sujeto, episodio 2 - sujeto, episodio 3 - sujeto, etc.; estrecho (stretto) y cadencia. Los episodios toman fragmentos del sujeto o contrasujeto de la fuga; su función es servir de puente. El Stretto es voluntario y se escribe antes de la cadencia; consiste en que las voces entran una seguida de la otra produciendo la sensación de atropello. Ejemplo: Fuga I del Arte de la Fuga de J. S. Bach, BWV 1080.

¨ El Concerto Grosso. "Es una especie de forma fugada instrumental"[17]. Consiste en el diálogo entre el tutti de la orquesta y un grupo más pequeño de ésta denominado concertino. Esta forma musical consta de tres o más movimientos. Los compositores del barroco como Händel, Bach y Vivaldi, entre otros, compusieron numerosas obras en esta forma. El ejemplo para la audición es el Concerto Grosso en Si bemol mayor, Op. 3 N° 1 de G. F. Händel.

¨ El preludio de coral. Consiste en la armonización de las melodías de los corales que se cantaban en la iglesia luterana, con el fin de acompañar a los feligreses en las ceremonias religiosas. Uno de los compositores más importantes de esta forma es J. S. Bach, quien compuso una colección de breves preludios de coral, recopilados en la obra Orgelbüchlein. Ejemplo para la audición: Jesu, meine Freude BWV 610, coral de navidad de la obra Orgelbüchlein.

¨ Motete y madrigales. Son composiciones corales sin acompañamiento instrumental. La diferencia entre ellos está en que en el motete el texto es religioso mientras que en el madrigal es profano. Ambas son composiciones fugadas vocales típicas del renacimiento. No existe una regla para componer estas obras, simplemente pueden ser homofónicas (acordes) o polifónicas. Los autores más representativos de estas formas son: Palestrina, Orlando di Lasso, Tomás Luis de Victoria y Thomas Morley, entre otros.


[17] Ibid., p. 134.


Ejemplos para la audición. Es importante tener en cuenta que la música vocal se origina en el canto llano, o simplemente canto para una sola voz. Antes de escuchar los motetes y madrigales del Renacimiento, es conveniente escuchar algunos de los numerosos ejemplos de la música vocal sacra de la Escuela de Notre Dame (siglos IX al XII aproximadamente).

1. Canto llano. Anónimo: Viderunt omnes.

2. Perotin. Conductus monofónico: Beata viscera.

3. Conductus a 4 partes. Anónimo: Vetus abit littera.

4. Leonin. Organum a dos partes: Viderunt omnes.

5. Palestrina. Hodie, Christus natus est. (Motete)

6. Josquin des Prez. El grillo. (Madrigal)

7. Monteverdi. Lamento d' Arianna. Lasciatemi morire. (Madrigal)


La forma sonata y las composiciones que la utilizan

La palabra sonata proviene de la voz italiana que significa sonar, es decir, obra para ser sonada en un instrumento. En su origen, la sonata no era una forma musical. Posteriormente, el término se utilizó para designar a una pieza que servía de introducción; luego se usó como sinónimo se Suite (obra compuesta por varias danzas), cuyas clasificaciones son: Sonata da chiesa (sonata de iglesia) y Sonata da camera (sonata de cámara) hasta transformarse en una forma musical propiamente dicha, denominada Sonata clásica.

1. La Sonata da chiesa: es del período barroco y se componía principalmente para violín y bajo continuo. Esta sonata consta de cuatro movimientos (lento-rápido-lento-rápido). Ejemplos para audición: las 6 Sonatas da chiesa Op. 1 para cuerdas de Arcangelo Corelli (1653-1713).

2. La Sonata da camera: también pertenece al período barroco. Está compuesta para uno o más instrumentos melódicos acompañados por un bajo continuo y consta de tres o más movimientos estilizados de danza.

Ejemplo para audición: Sonata da camera Op.2, N° 3, de Antonio Veracini (compositor italiano del período barroco, nacido en 1659 y fallecido en 1745).

3. La Sonata clásica: denominada así porque se desarrolló en el período clásico, siendo Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788, hijo de J. S. Bach) su principal expositor, pues es considerado como uno de los fundadores del estilo clásico. Posteriormente, Beethoven la llevó a su más alto de grado de desarrollo.

La mayoría de las sonatas clásicas constan de 3 o 4 movimientos, aunque también existen de dos. En su estructura general, la sonata está formada por:

¨ Tiempo vivo inicial.

¨ Tiempo lento (es variado y libre).

¨ Minué o Scherzo.

¨ Tiempo vivo final.

En las sonatas de tres tiempos, se suprime el segundo o el tercer tiempo de la estructura anterior.

El tiempo vivo inicial (forma sonata) tiene una estructura ternaria con uno o dos temas, cuyo esquema es el siguiente:


¨ Exposición: consta de Introducción (facultativa e inexistente en la mayoría de las sonatas); Tema A que se expone en la tonalidad principal; Puente (facultativo pero muy común, de carácter modulante para conducir al tema B); Tema B (en una tonalidad vecina); Coda (facultativa).

El siguiente diagrama[18] muestra la estructura general del primer movimiento de la forma sonata clásica.


[18] Ibid., p. 141.

Como se puede observar, la estructura ternaria A-B-A está formada por la Exposición, el Desarrollo y la Reexposición; de la misma manera, la Exposición y la Reexposición también tienen una forma ternaria, pues están divididas en tres partes correspondientes a los temas a-b-c; el Desarrollo, es una forma libre, tal como se explica a continuación.


¨ Desarrollo: trabajo temático libre que utiliza todos o parte de los elementos de la exposición. Debe conducir la obra nuevamente a la tonalidad principal de la obra.


¨ Reexposición: consta de Tema A en su tono principal (puede tener variantes); Puente (facultativo, debe conducir la tonalidad para la entrada del tema B); Tema B pero en el tono principal; Coda (facultativa, afirma la tonalidad principal en la que se termina la obra).

El Minué y el Scherzo son de la estructura ternaria (A-B-A); por lo general dividida en tres secciones:


¨ Sección I: generalmente se denomina Minué y está compuesto por El Tema o Frase principal que se repite; el Episodio que puede ser derivado del tema o con elementos nuevos; la Reexposición completa o parcial del tema o frase principal, y debe terminar en la tonalidad principal; la Coda es facultativa. La repetición se hace desde el Episodio hasta el final de la sección.


¨ Sección II: denominado comúnmente como el Trío. Puede ser de estructura ternaria como la sección I y su tema principal por lo general contrasta con el del Minué.


¨ Sección III: es la reexposición de la sección I pero sin las repeticiones.

El tiempo vivo final puede ser un Rondó simple, un Rondó sonata, tipo sonata, tema con variaciones o fuga, entre otros.

4. La música de cámara: una definición general de música de cámara es: obra escrita para agrupaciones pequeñas compuestas por instrumentos (también incluye voces) solistas, especialmente dúos, tríos, cuartetos y quintetos. Una de las características de esta música es que no hay un director al frente de ellos, simplemente los músicos se miran entre sí para lograr la coordinación necesaria.

La expresión da camera en italiano significa para la habitación, es por esto que la música de cámara es para ser escuchada en recintos pequeños.

Existen otras agrupaciones que pertenecen a esta clase de música tales como los sextetos, septetos, octetos y orquestas de cámara, es decir, orquesta pequeña.

En la Edad Media[19] y en el Renacimiento la música de cámara estaba representada por pequeños grupos vocales a tres, cuatro y cinco partes y grupos instrumentales utilizando cualquier instrumento musical de la época.


[19] Basado en el artículo Música de Cámara de la Enciclopedia Encarta. [Online]. [Citado el 1 de octubre de 2009]. Disponible en Internet: http://es.encarta.msn.com/encyclopedia_761553934/Música_de_cámara.html>


En el Barroco las obras más populares eran las sonatas a trío compuestas por dos violines y bajo continuo (acompañamiento armónico realizado por el clavicémbalo, el laúd o el órgano, y un instrumento melódico como el violoncello o el fagot), también se hacían tríos con instrumentos de viento, como flautas, oboes o cualquier otro instrumento con acompañamiento del bajo continuo. Estas sonatas a trío también las podían interpretar grupos un poco más grandes (6 a 8 instrumentistas). En cuanto a la música vocal, el género cantata de cámara era bastante utilizado por los compositores.

En la época clásica, la música de cámara más elaborada era el cuarteto de cuerdas compuesto por dos violines, una viola y un violoncello; también predominaban los dúos (sonatas para violín y piano, o para violoncello y piano), tríos (escritos en su mayoría para piano, violín y violoncello) y quintetos (escritos generalmente para cuartetos de cuerda y piano).

En el romanticismo los compositores continuaron con los dúos, tríos y cuartetos del clasicismo pero utilizando a veces otras combinaciones de instrumentos diferentes del cuarteto clásico, tales como adicionar otra viola u otro violoncello a dicho cuarteto para formar quintetos o sextetos de cuerdas; además, se empezó a popularizar el cuarteto para piano y tres instrumentos de cuerda frotada (violín, viola y violoncello, o dos violines y una viola o un violoncello). En los dúos se utilizaba un instrumento melódico (clarinete, flauta, oboe, etc.) acompañados por el piano.

Y en el siglo XX "los conjuntos de música de cámara de composición variada —incluyendo instrumentos como las voces, el arpa, la guitarra, los vientos o la percusión— se convirtieron en los principales vehículos para la nueva música de compositores como Schönberg, Webern, Igor Stravinski, Benjamin Britten, o Pierre Boulez"[20].


[20] Ibid.

La música de cámara es interpretada por músicos profesionales con un alto nivel de interpretación, debido a que cada uno de los instrumentos que componen la obra cumple un papel principal por su carácter de solista.

5. La sinfonía[21]: el término viene del griego syn, que significa juntos, y phone, sonido. La sinfonía es una composición instrumental escrita para una orquesta, consta de tres o cuatro movimientos dependiendo de la época. El término se empezó a utilizar en el siglo XVI para denominar a los interludios instrumentales de las obras como las cantatas, las óperas y los oratorios. La sinfonía nace de las oberturas[22] de las óperas italianas del barroco y estaba compuesta por tres movimientos (rápido-lento-rápido). En el período clásico la sinfonía se separa de la ópera y se consolida como obra independiente de concierto.


[21] Basado en el artículo Sinfonía de la Enciclopedia Encarta. [Online]. [Citado el 1 de octubre de 2009]. Disponible en Internet: http://es.encarta.msn.com/encyclopedia_761562115/Sinfonía.html>

[22] Obertura: composición instrumental que se interpreta al inicio de una ópera.


Los compositores del barroco empezaron a utilizar la misma estructura de la obertura italiana para crear sinfonías, cuyo primer movimiento estaba compuesto, por lo general, en forma sonata. Por esta razón, las sonatas y las sinfonías se fueron desarrollando paralelamente.

En la época clásica, los compositores de la Escuela de Mannheim, cuyo principal representante y fundador fue el compositor, violinista y director de orquesta Johann Stamitz (1717-1757), los de Berlín y Viena escribieron gran cantidad de sinfonías a tres y cuatro movimientos. Stamiz le agregó un cuarto movimiento rápido que le seguía al minué, utilizando así la forma sonata.

El compositor austriaco Franz Joseph Haydn (1732-1809) es considerado el Padre de la Sinfonía por la gran cantidad de obras escritas en esta forma, 107 en total, en las cuales experimentó con nuevos recursos y técnicas de composición orquestal, alargando y ampliando la forma sinfónica. Además, utilizó el contrapunto integrándolo al estilo sinfónico, escribió introducciones lentas como preámbulo al primer movimiento de la sinfonía, los movimientos en forma de sonata evitan el contraste temático, y los finales en forma de sonata o rondó están escritos con un carácter vigoroso que no se conocía anteriormente.

Wolfgang Amadeus Mozart, por su parte, escribió 41 sinfonías en las que se percibe su gran talento creativo, elevando a la sinfonía hasta convertirla en una obra de gran expresividad.

Posteriormente, Ludwig van Beethoven (1770-1827), con sus 9 sinfonías, logra que la forma sinfónica alcance su máxima perfección, en ellas transmite mucha emoción y una gran variedad de matices expresivos.

En el siglo XIX (Romanticismo), la composición sinfónica utiliza la técnica de la música programática, que consiste en describir temas no musicales, tales como un relato, un objeto o una escena. Algunos compositores representativos de esta forma son Héctor Berlioz y Franz Liszt cuyas sinfonías tiene programas escritos.

También había compositores que continuaron con la forma clásica utilizando las armonías del período romántico. Algunos compositores son: Franz Schubert, Felix Mendelssohn, Robert Schumann y Johannes Brahms, entre otros.

Como evolución de la sinfonía, nace la denominada Sinfonía Cíclica, que consiste en utilizar un mismo material temático (motivos o temas recurrentes) en cada uno de los movimientos de la obra como elemento unificador. Su mayor representante es César Franck.

En el siglo XX, los compositores le infundieron un carácter nacionalista a la composición sinfónica utilizando la música folklórica de sus respectivos países; como ejemplo tenemos al inglés Ralph Vaughan Williams y a los compositores checos Antonin Dvorak y Bedrich Smetana. Otros adaptaron la forma a los rasgos modernos de la armonía, el ritmo y la textura; estos compositores son denominados los neoclásicos, tales como los rusos Sergei Prokofiev (con su Sinfonía Clasica) e Igor Stravinski, además de los estadounidenses Aaron Copland y Walter Piston, entre otros.

Durante el siglo XX, el compositor austriaco Arnold Schönberg, desarrolló el sistema dodecafónico, el cual pretende destruir el eje central de la tonalidad evitando una nota tónica y sus relaciones tonales mediante el uso de la escala cromática. Ejemplos de ello, son: la Sinfonía Op. 21 de Anton von Webern y la Kammersynphonie de Arnold Schönberg.

Por otra parte, el compositor austriaco Gustav Mahler, con sus obras sinfónicas elevó a su máxima expresión el estilo de la sinfonía romántica. Mahler aumentó el número de integrantes de la orquesta hasta convertirla en algo gigante, le adicionó más movimientos a la sinfonía y utilizó la voz humana, tanto de manera solista como grupal. El compositor francés Jean Sibelius utilizó la sinfonía de manera libre, tal como se observa en las sinfonías 5 y 7. En la primera de ellas, Sinfonía N° 5 en mi bemol mayor, Op. 82 unió los dos primeros movimientos, y en la Sinfonía N° 7 en do mayor, Op. 105 condensó todos los movimientos en uno solo.

6. El Concierto Clásico. La palabra concierto significa que es una composición de varios movimientos en los que participan uno o más instrumentos solistas acompañados por una orquesta. El inicio del concierto se remonta al Concerto Grosso del período Barroco, explicado anteriormente en este documento. Luego encontramos el Concierto Preclásico desarrollado por los grandes violinistas italianos del Barroco, especialmente en la modalidad de Concierto para Violín y Orquesta. Este tipo de conciertos consta de tres movimientos rápido-lento-rápido, que en ocasiones el segundo movimiento encadenaba con el tercero sin hacer interrupciones.

Por su parte, los compositores alemanes de la época, como Johan Sebastian Bach y Georg Friedrich Händel, entre otros, compusieron conciertos para instrumentos solistas diferentes al violín, tales como clavicémbalo, órgano, etc., generando así el florecimiento del Concierto Clásico. Fue Wolfgang Amadeus Mozart quien adaptó la forma sonata al concierto.

Existen también las denominaciones Doble Concierto y Triple Concierto, que significan respectivamente, como ya se ha dicho, concierto por dos instrumentos solistas o para tres. Es de recalcar que en los conciertos los instrumentos solistas son los protagonistas de la obra.


Otras formas musicales

¨ La Obertura. Obra de un solo movimiento que sirve de introducción a otra pieza musical. En este documento, solamente vamos a hacer referencia a las oberturas utilizadas en las composiciones dramáticas tales como óperas, oratorios, operetas, zarzuelas y cantatas, entre otras.


¨ El Preludio. También es una pieza musical de un solo movimiento, que por lo general está asociada a la Fuga, tal como la Fantasía y Toccata del período barroco.

Es importante anotar, que tanto la Obertura como el Preludio, también se encuentran como obras independientes. Como ejemplo, podemos citar la Obertura 1812 del compositor ruso Piotr Ilich Chaikovski, y los preludios de los compositores románticos como Frédéric Chopin y Franz Liszt.

¨ El Poema Sinfónico. Es una obra orquestal de un solo movimiento en la que se desarrolla un argumento o elementos extra-musicales. No tiene una forma definida, pues ésta la define el compositor de acuerdo con el argumento seleccionado. Fue creado en el romanticismo y desarrollado por Héctor Berlioz y Franz Liszt. Posteriormente los compositores Dvorák, Sibelius, Smetana, R. Strauss y Chaikovski escribieron poemas sinfónicos siguiendo el ejemplo de Berlioz y Liszt.


¨ El Ballet. Composición musical para ser representada coreográficamente, es decir, por medio de la danza.


¨ La Cantata. Es una composición vocal con acompañamiento instrumental; es más corta que el oratorio, es para ser cantada sin escenografía ni vestuario ni acción en el escenario y consta de varias secciones vocales tales como el recitativo, el aria y los coros. El texto de la cantata puede ser profano o religioso.


¨ El Oratorio. Gran composición musical para voces e instrumentos, puede ser dramático o contemplativo pero de tema religioso. A diferencia de la ópera, el oratorio se interpreta en conciertos sin escenografía ni vestuario ni actuación.


¨ La Ópera. La palabra ópera se deriva del latín opus, que significa obra. Es una "obra escénica enteramente musicada en que interviene el canto con palabras"[23]. Esta obra requiere de escenografía, vestuario y acción para su representación. La ópera se basa en un argumento que es cantado por los solistas, que representan a los personajes de la obra, en la cual también puede participar un coro.


¨ La Misa. "Es una composición generalmente de estilo polifónico, constituida por diversas piezas que forman un todo orgánico, escrita sobre textos pertenecientes a la ceremonia religiosa de la cual toma el nombre, y para ser ejecutada durante la celebración de ésta"[24]. La Misa se puede escribir para coro solo; o para solistas y coro; o solistas, coro y órgano u orquesta. Es importante resaltar que esta obra corresponde al culto católico.

Las partes principales de la Misa son: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus con el Benedictus, y Agnus Dei. Sin embargo, existen composiciones que también incluyen otras partes propias del rito tales como: Introito, Gradual, Aleluya o Tracto, Secuencia (solamente en algunas fiestas religiosas), Ofertorio, Comunión.

El orden de las misas gregorianas es: Introito, Kyrie, Gloria, Gradual, Aleluya o Tracto, Secuencia, Credo, Ofertorio, Sanctus con el Benedictus, Agnus Dei y Comunión.


[23] ZAMACOIS, JOAQUÍN. Curso de Formas Musicales. 6 ed. Barcelona : Labor, 1985. p. 244.

[24] Ibid., p. 265.

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